VA • Atlantic Jazz: West Coast

 

Teddy Charles Quintet • New Directions 4

 

Biography by Scott Yanow

Teddy Charles is a true rarity: a jazz musician who largely retired from the business. A skillful if not overly distinctive vibraphonist and (early in his career) quite capable on piano and drums, Charles was as important for his open-minded approach in the 1950s toward more advanced sounds as he was for his playing. He moved to New York to study percussion at Juilliard in 1946, but instead became involved in the jazz world. He had short stints with the big bands of Randy Brooks, Benny Goodman, Artie Shaw, Buddy DeFranco, and Chubby Jackson from 1948-1951 and then played with combos headed by Anita O'Day, Oscar Pettiford, Roy Eldridge, and Slim Gaillard. He also became a member of the Jazz Composers' Workshop (1953-1955) along with Charles Mingus and Teo Macero, opening his style up to the influences of classical music and freer improvising. Charles, who recorded with Mingus, Miles Davis, and Wardell Gray, among many others, began leading his own stimulating record dates in 1951, and by 1953 he was also working as a record producer, a field that took much more of his time from 1956 on. He led his own sessions for Prestige, Atlantic, Savoy, Jubilee, Bethlehem (where he produced around 40 records, mostly for other artists), and Warwick from 1951-1960, but was hardly heard from in the 1960s, other than a 1963 set for United Artists. Charles relocated to the Caribbean, where he opened a sailing business. After participating in a 1980 jam session, he eventually moved back to New York, making a "comeback" record for Soul Note in 1988, but still remaining semi-retired from music.

https://www.allmusic.com/artist/teddy-charles-mn0000747202/biography

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Biografía de Scott Yanow

Teddy Charles es una verdadera rareza: un músico de jazz que se retiró en gran parte del negocio. Un vibrafonista hábil, si no demasiado distintivo y (al principio de su carrera) bastante capaz en el piano y la batería, Charles fue tan importante para su enfoque de mente abierta en la década de 1950 hacia los sonidos más avanzados como lo fue para su forma de tocar. Se mudó a Nueva York para estudiar percusión en Juilliard en 1946, pero se involucró en el mundo del jazz. Estuvo brevemente con las grandes bandas de Randy Brooks, Benny Goodman, Artie Shaw, Buddy DeFranco y Chubby Jackson de 1948 a 1951 y luego tocó con combos encabezados por Anita O'Day, Oscar Pettiford, Roy Eldridge y Slim Gaillard. También se convirtió en miembro del Taller de Compositores de Jazz (1953-1955) junto con Charles Mingus y Teo Macero, abriendo su estilo a las influencias de la música clásica y a la improvisación más libre. Charles, que grabó con Mingus, Miles Davis y Wardell Gray, entre muchos otros, comenzó a dirigir sus propias y estimulantes fechas de grabación en 1951, y para 1953 también trabajaba como productor de discos, un campo que le ocupó mucho más tiempo a partir de 1956. Dirigió sus propias sesiones para Prestige, Atlantic, Savoy, Jubilee, Bethlehem (donde produjo unos 40 discos, en su mayoría para otros artistas) y Warwick de 1951 a 1960, pero apenas se le escuchó en el decenio de 1960, aparte de un conjunto de 1963 para United Artists. Charles se trasladó al Caribe, donde abrió un negocio de navegación. Después de participar en una jam session en 1980, finalmente regresó a Nueva York, haciendo un disco de "regreso" para Soul Note en 1988, pero aún permaneciendo semi-retirado de la música.

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Shelly Manne & Russ Freeman • Shelly Manne & Russ Freeman

 

 

Shelly Manne Biography by Scott Yanow
Shelly Manne made a countless number of records from the 1940s into the '80s but is best-known as a good-humored bandleader who never hogged the spotlight. Originally a saxophonist, Manne switched to drums when he was 18 and started working almost immediately. He was with Joe Marsala's band (making his recording debut in 1941), played briefly in the big bands of Will Bradley, Raymond Scott, and Les Brown and was on drums for Coleman Hawkins's classic "The Man I Love" session of late 1943. Manne worked on and off with Stan Kenton during 1946-1952, also touring with Jazz at the Philharmonic (1948-1949), and gigging with Woody Herman (1949). After leaving Kenton, Manne moved to Los Angeles where he became the most in-demand of all jazz drummers. He began recording as a leader (his first session was cut in Chicago in 1951) on a regular basis starting in 1953 when he first put together the quintet Shelly Manne & His Men. Among the sidemen who were in his band during their long string of Contemporary recordings (1955-1962) were Stu Williamson, Conte Candoli, Joe Gordan, Bob Enevoldsen, Joe Maini, Charlie Mariano, Herb Geller, Bill Holman, Jimmy Giuffre, Richie Kamuca, Victor Feldman, Russ Freeman, Ralph Pena, Leroy Vinnegar, and Monty Budwig. Manne, who had the good fortune to be the leader of a date by the André Previn Trio that resulted in a major seller (jazz versions of tunes from My Fair Lady), always had an open musical mind and he recorded some fairly free pieces on The Three and the Two (trios with Shorty Rogers and Jimmy Giuffre that did not have a piano or bass, along with duets with Russ Freeman), and enjoyed playing on an early session with Ornette Coleman. In addition to his jazz work, Manne appeared on many film soundtracks and even acted in The Man with the Golden Arm. He ran the popular club Shelly's Manne-Hole during 1960-1974, kept his music open to freer sounds (featuring trumpeter Gary Barone and tenor saxophonist John Gross during 1969-1972), played with the L.A. Four in the mid-'70s, and was very active up until his death. Throughout his career Shelly Manne recorded as a leader for Savoy, Interlude, Contemporary, Jazz Groove, Impulse, Verve, Capitol, Atlantic, Concord, Mainstream, Flying Dutchman, Discovery, Galaxy, Pausa, Trend, and Jazziz, in addition to a few Japanese labels.
https://www.allmusic.com/artist/shelly-manne-mn0000019435#biography



Russ Freeman Biography by Steve Huey
Pianist Russ Freeman -- not to be confused with the guitarist/leader of the Rippingtons -- was better known as a sideman than a leader, but he was an important collaborator with both Chet Baker and Shelly Manne, leaving his mark on two of the most celebrated bodies of work in West Coast cool jazz. Classically trained as a child, Freeman began making a name for himself on the West Coast jazz scene in the mid-'40s, playing mostly with bebop-oriented groups. During this period, he worked with Howard McGhee, Dexter Gordon, Charlie Parker, Art Pepper, Shorty Rogers, and Wardell Gray, among others. Freeman joined Chet Baker's new quartet in 1953, and their chemistry was immediate as Freeman proved to be perhaps the most sympathetic accompanist the trumpeter/vocalist ever had; his tasteful, well-formulated original compositions also fit Baker's style well and "The Wind" became something of a standard. Their collaboration spanned 1953-1954 and 1956; in 1955, Freeman began another rewarding association with drummer Shelly Manne, which lasted until 1966. Most of his infrequent sessions as a leader were recorded during the mid-'50s, after which he devoted more time to other aspects of the business: supervising recordings, working with film composers like Johnny Mandel and Manne associate Andre Previn, forming his own publishing company in 1962, and working as a musical director for several nightclubs and TV shows. After leaving Manne's group, Freeman's jazz recordings became fewer and fewer; there were occasional appearances with old West Coast cohorts up until the early '80s, after which Freeman effectively retired.
https://www.allmusic.com/artist/russ-freeman-mn0000808588#biography

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Biografía de Shelly Manne por Scott Yanow
Shelly Manne hizo un sinnúmero de discos desde la década de 1940 hasta la década de 1980, pero es mejor conocida como una líder de banda de buen humor que nunca acaparó los reflectores. Originalmente saxofonista, Manne cambió a la batería cuando tenía 18 años y comenzó a trabajar casi de inmediato. Estuvo con la banda de Joe Marsala (haciendo su debut discográfico en 1941), tocó brevemente en las grandes bandas de Will Bradley, Raymond Scott y Les Brown y tocó la batería en la clásica sesión de Coleman Hawkins "The Man I Love" de finales de 1943. Manne trabajó intermitentemente con Stan Kenton durante 1946-1952, también de gira con Jazz en la Filarmónica (1948-1949) y actuando con Woody Herman (1949). Después de dejar Kenton, Manne se mudó a Los Ángeles, donde se convirtió en el baterista de jazz más solicitado. Comenzó a grabar como líder (su primera sesión se cortó en Chicago en 1951) de forma regular a partir de 1953, cuando formó por primera vez el quinteto Shelly Manne & His Men. Entre los acompañantes que estuvieron en su banda durante su larga serie de grabaciones contemporáneas (1955-1962) se encontraban Stu Williamson, Conte Candoli, Joe Gordan, Bob Enevoldsen, Joe Maini, Charlie Mariano, Herb Geller, Bill Holman, Jimmy Giuffre, Richie Kamuca, Victor Feldman, Russ Freeman, Ralph Pena, Leroy Vinnegar y Monty Budwig. Manne, quien tuvo la suerte de ser el líder de una cita del Trío André Previn que resultó en un gran vendedor (versiones de jazz de melodías de My Fair Lady), siempre tuvo una mente musical abierta y grabó algunas piezas bastante gratuitas en The Three and the Two (tríos con Shorty Rogers y Jimmy Giuffre que no tenían piano ni bajo, junto con duetos con Russ Freeman), y disfrutó tocando en una sesión temprana con Ornette Coleman. Además de su trabajo de jazz, Manne apareció en muchas bandas sonoras de películas e incluso actuó en El hombre del Brazo de Oro. Dirigió el popular club Shelly's Manne-Hole durante 1960-1974, mantuvo su música abierta a sonidos más libres (con el trompetista Gary Barone y el saxofonista tenor John Gross durante 1969-1972), tocó con los L. A. Four a mediados de los 70 y estuvo muy activo hasta su muerte. A lo largo de su carrera, Shelly Manne grabó como líder para Savoy, Interlude, Contemporary, Jazz Groove, Impulse, Verve, Capitol, Atlantic, Concord, Mainstream, Flying Dutchman, Discovery, Galaxy, Pausa, Trend y Jazziz, además de algunos sellos japoneses.
https://www.allmusic.com/artist/shelly-manne-mn0000019435#biography



Biografía de Russ Freeman por Steve Huey
El pianista Russ Freeman, que no debe confundirse con el guitarrista/líder de los Rippingtons, era más conocido como acompañante que como líder, pero fue un colaborador importante tanto de Chet Baker como de Shelly Manne,dejando su huella en dos de los cuerpos de trabajo más célebres. en el cool jazz de la Costa Oeste. De formación clásica cuando era niño, Freeman comenzó a hacerse un nombre en la escena del jazz de la Costa Oeste a mediados de los años 40, tocando principalmente con grupos orientados al bebop. Durante este período, trabajó con Howard McGhee, Dexter Gordon, Charlie Parker, Art Pepper, Shorty Rogers y Wardell Gray, entre otros. Freeman se unió al nuevo cuarteto de Chet Baker en 1953, y su química fue inmediata, ya que Freeman demostró ser quizás el acompañante más comprensivo que haya tenido el trompetista/vocalista; sus composiciones originales de buen gusto y bien formuladas también encajaban bien con el estilo de Baker y "The Wind" se convirtió en una especie de estándar. Su colaboración abarcó 1953-1954 y 1956; en 1955, Freeman inició otra asociación gratificante con la baterista Shelly Manne, que duró hasta 1966. La mayoría de sus sesiones poco frecuentes como líder se grabaron a mediados de los años 50, después de lo cual dedicó más tiempo a otros aspectos del negocio: supervisar grabaciones, trabajar con compositores de cine como Johnny Mandel y el asociado de Manne, Andre Previn, formar su propia editorial en 1962 y trabajar como director musical para varios clubes nocturnos y programas de televisión. Después de dejar el grupo de Manne, las grabaciones de jazz de Freeman se volvieron cada vez menos; hubo apariciones ocasionales con cohortes de la vieja Costa Oeste hasta principios de los 80, después de lo cual Freeman se retiró efectivamente.
https://www.allmusic.com/artist/russ-freeman-mn0000808588#biography

Jimmy Giuffre • The Jimmy Giuffre Clarinet

 

Review by Scott Yanow
This continually interesting set finds Jimmy Giuffre sticking exclusively to his cool-toned clarinet, mostly playing in the lower register, in several settings. The thought-provoking and generally relaxed works feature a wide variety of instrumentation. Giuffre takes "So Low" as an unaccompanied solo, duets with Jimmy Rowles' celeste on "Deep Purple," plays a fairly free "Fascinatin' Rhythm" in a Benny Goodman-type trio with pianist Rowles and drummer Shelly Manne, performs with a couple of other trios (including a group consisting of his clarinet, an alto clarinetist, and a bass clarinetist), uses three flutes and drums on the atonal "The Side Pipers" and three woodwinds plus bassist Ralph Pena on an atmospheric "My Funny Valentine," concluding with a nonet blues. A very interesting album, last available as a 1984 Atlantic LP. https://www.allmusic.com/album/the-jimmy-giuffre-clarinet-mw0000590754

From jazzmessengers.com
A multi-reed player, Jimmy Guiffre played in an army band during his stint in the service, and then he performed with the orchestras of Jimmy Dorsey, Buddy Rich, and Woody Herman. As a prolific and inventive arranger-composer, Guiffre's work displays his fascination with texture and swing. With top-notch instrumentation, first-rate players, and various genres represented, this CD offers a variety of musical moods and stand-out tunes such as "Deep Purple," "Down Home," and George Gershwin's "Fascinatin' Rhythm.". - Oldies.com
https://www.jazzmessengers.com/es/7090/jimmy-giuffre/jimmy-giuffre-clarinet

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Reseña de Scott Yanow
Este conjunto continuamente interesante encuentra a Jimmy Giuffre apegándose exclusivamente a su clarinete de tonos fríos, tocando principalmente en el registro inferior, en varios escenarios. Las obras, que invitan a la reflexión y generalmente relajadas, presentan una amplia variedad de instrumentación. Giuffre toma "So Low" como un solo sin acompañamiento, hace duetos con celeste de Jimmy Rowles en "Deep Purple", toca un "Ritmo Fascinante" bastante libre en un trío tipo Benny Goodman con el pianista Rowles y la baterista Shelly Manne, actúa con un par de otros tríos (incluido un grupo que consta de su clarinete, un clarinetista alto y un clarinetista bajo), usa tres flautas y batería en el atonal "The Side Pipers" y tres instrumentos de viento de madera más el bajista Ralph Pena en un atmosférico "My Funny Valentine", concluyendo con un blues noneto. Un disco muy interesante, último disponible como LP Atlántico de 1984. https://www.allmusic.com/album/the-jimmy-giuffre-clarinet-mw0000590754

De jazzmessengers.com
Jimmy Guiffre, un músico de varias cañas, tocó en una banda del ejército durante su período en el servicio, y luego tocó con las orquestas de Jimmy Dorsey, Buddy Rich y Woody Herman. Como arreglista-compositor prolífico e inventivo, el trabajo de Guiffre muestra su fascinación por la textura y el swing. Con instrumentación de primera categoría, intérpretes de primer nivel y varios géneros representados, este CD ofrece una variedad de estados de ánimo musicales y melodías destacadas como "Deep Purple", "Down Home" y "Fascinatin' Rhythm " de George Gershwin. ". - Oldies.com
https://www.jazzmessengers.com/es/7090/jimmy-giuffre/jimmy-giuffre-clarinet


 

The L.A. Four • The L.A. Four Scores!

 

 

Review by Scott Yanow
Altoist Bud Shank (who doubles on flute) and acoustic guitarist Laurindo Almeida first teamed up in 1954 to make a couple of albums called Brazilliance that hinted at but greatly predated bossa nova. Shank and Almeida came together 20 years later to form the L.A. Four, a quartet also including bassist Ray Brown and drummer Shelly Manne. Their debut recording as a unit was made at the 1974 Concord Jazz Festival, and it finds the appealing musicians blending together well on bossa nova tunes (including "Manha de Carnaval"), Almeida's classical-oriented originals, and some swing. This was a particularly inventive chamber jazz band.
https://www.allmusic.com/album/the-la-4-scores%21-mw0000196876

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Reseña de Scott Yanow
El altoista Bud Shank (que toca la flauta) y el guitarrista acústico Laurindo Almeida se unieron por primera vez en 1954 para hacer un par de álbumes llamados Brazilliance que insinuaban pero eran muy anteriores a la bossa nova. Shank y Almeida se unieron 20 años después para formar L. A. Four, un cuarteto que también incluía al bajista Ray Brown y la baterista Shelly Manne. Su grabación debut como unidad se realizó en el Festival de Jazz de Concord de 1974, y encuentra a los atractivos músicos mezclándose bien en melodías de bossa nova( incluida "Manha de Carnaval"), los originales orientados a la música clásica de Almeida y algo de swing. Se trataba de una banda de jazz de cámara particularmente inventiva.
https://www.allmusic.com/album/the-la-4-scores%21-mw0000196876

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars • Saga Jazz - West Coast Jazz Live-The Lighthouse Concerts [Modern Series]

 

 

Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars • Saga Jazz - West Coast Jazz Live-The Lighthouse Concerts [Modern Series] 

 

Bill Evans • Empathy

 

Review by Dave Nathan
This album came about through a fortuitous convergence of circumstances. Shelly Manne & His Men were appearing at New York's Village Vanguard, sharing the bill with the Bill Evans Trio. Getting Riverside's permission to let the pianist participate, Creed Taylor set up a session at Rudy Van Gelder's studio with Evans and Manne sharing top billing. Manne's bass player, Monty Budwig, made up the trio. This was a busman's holiday for Evans, who was freed from the musical parameters he had set for his then-current trio. The result is that his playing seemed lighter, freer, and more relaxed than it had for a while. The album kicks off with a jaunty version of Irving Berlin's "The Washington Twist" from the unsuccessful Mr. President, with Budwig sharing the honors with Evans as much as Manne. Manne spends most of his time driving Evans into more diminished and sharper playing than was usually Evans' wont. Another relatively unfamiliar Berlin work, "Let's Go Back to the Waltz," gives full reign to Evans' lyricism. The longest tune on the set is an audacious, almost lampooned version of "With a Song in My Heart" with light chordal phrasing that pretty much characterized much of the tone coming from this session. Listening to these three, it's clear that everyone was having a good time and simply enjoying being relieved of their duties with their regular combos, even if for just one day.
https://www.allmusic.com/album/empathy-mw0000531139

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Reseña de Dave Nathan
Este álbum surgió de una convergencia fortuita de circunstancias. Shelly Manne & His Men actuaban en el Village Vanguard de Nueva York, compartiendo cartel con el Bill Evans Trio. Con el permiso de Riverside para que el pianista participara, Creed Taylor organizó una sesión en el estudio de Rudy Van Gelder en la que Evans y Manne compartieron cartel. El bajista de Manne, Monty Budwig, formaba el trío. Fueron unas vacaciones para Evans, que se vio liberado de los parámetros musicales que había establecido para su trío de entonces. El resultado es que su forma de tocar parecía más ligera, libre y relajada que hacía tiempo. El álbum arranca con una alegre versión de "The Washington Twist" de Irving Berlin, de la fallida Mr. President, en la que Budwig comparte los honores con Evans tanto como Manne. Manne pasa la mayor parte del tiempo llevando a Evans a tocar más disminuido y agudo de lo que era habitual en Evans. Otra obra berlinesa relativamente desconocida, "Let's Go Back to the Waltz", da rienda suelta al lirismo de Evans. La melodía más larga del conjunto es una versión audaz, casi burlona, de "With a Song in My Heart", con un fraseo de acordes ligeros que caracteriza en gran medida el tono de esta sesión. Escuchando a estos tres, está claro que todo el mundo se lo estaba pasando bien y simplemente disfrutaba de estar liberado de sus obligaciones con sus combos habituales, aunque sólo fuera por un día.
https://www.allmusic.com/album/empathy-mw0000531139

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Lennie Tristano & The Boyd Raeburn Orchestra ‎• New Sounds In The Forties

 

L.A. 4 • Pavane Pour Une Infante Defunte

 

Biography by Scott Yanow
Altoist/flutist Bud Shank and Brazilian acoustic guitarist Laurindo Almeida first teamed up in the 1950s to create music that predated but strongly hinted at bossa nova. In 1974, they reunited to form the L.A. Four with bassist Ray Brown and drummer Chuck Flores. With Shelly Manne and later Jeff Hamilton replacing Flores on drums, the L.A. Four recorded eight albums for Concord through 1982, breaking up shortly afterward. Their mixture of cool-toned bop, Brazilian-oriented music, and ballads was quite attractive.
https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography

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Biografía de Scott Yanow
El alto flautista Bud Shank y el guitarrista acústico brasileño Laurindo Almeida se unieron por primera vez en la década de 1950 para crear una música anterior a la bossa nova, aunque con fuertes guiños a ésta. En 1974, se reunieron para formar los L.A. Four con el bajista Ray Brown y el batería Chuck Flores. Con Shelly Manne y más tarde Jeff Hamilton sustituyendo a Flores en la batería, los L.A. Four grabaron ocho álbumes para Concord hasta 1982, separándose poco después. Su mezcla de bop fresco, música brasileña y baladas era bastante atractiva.
https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Gerry Mulligan • Johnny Mandel's Jazz Score From I Want To Live

Review from Jazz Journal (by Gordon Jack):

Johnny Mandel's score for I Want to Live is performed by an all-star septet led by Gerry Mulligan. In the film he is name-checked by Susan Hayward in the Oscar-winning role of Barbara Graham who was executed in San Quentin in 1955. Listening to "Night Watch" on the radio in the condemned cell she says "Gerry Mulligan... I know all his sides by heart." Mulligan was so impressed with the music that he commissioned the composer to adapt "Black Nightgown", "Barbara's Theme" and "Theme From I Want to Live" for his 1960 Concert Jazz Band. All the horns have a chance to shine on the catchy "Black Nightgown" which is introduced by Red Mitchell's simple but effective descending bass line. The dramatic "I Want to Live" is a perfect vehicle for the dark sonorities of Mulligan's baritone contrasted effectively here with the delicacy of Shank's flute. "Life's a Funny Thing" is notable for some inventive exchanges between Frank Rosolino and Mulligan which was one of their only meetings on record apart from Quincy Jones' score for the 1972 movie The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

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Reseña de Jazz Journal (por Gordon Jack):

La partitura de Johnny Mandel para I Want to Live es interpretada por un septeto de estrellas liderado por Gerry Mulligan. En la pelicula es mencionado por Susan Hayward en el papel ganador del Oscar de Barbara Graham, quien fue ejecutada en San Quentin en 1955. Escuchando "Night Watch" en la radio en la celda de los condenados, ella dice "Gerry Mulligan... me se de memoria todos sus discos." Mulligan quedo tan impresionado con la musica que comisiono al compositor para adaptar "Black Nightgown", "Barbara's Theme" y "Theme From I Want to Live" para su Concert Jazz Band de 1960. Todos los metales tienen la oportunidad de brillar en el pegadizo "Black Nightgown", que es introducido por la simple pero efectiva linea de bajo descendente de Red Mitchell. El dramatico "I Want to Live" es el vehiculo perfecto para las sonoridades oscuras del baritono de Mulligan contrastadas efectivamente aqui con la delicadeza de la flauta de Shank. "Life's a Funny Thing" es notable por algunos intercambios inventivos entre Frank Rosolino y Mulligan, que fue uno de sus unicos encuentros en disco ademas de la partitura de Quincy Jones para la pelicula de 1972 The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

Buddy Collette • Nice Day

Review by Scott Yanow
A Nice Day is a nice recording for multireedist Buddy Collette who plays alto, clarinet, flute and tenor during the three sessions heard on the CD reissue. Five of the ten selection's are Collette's originals and, although the title cut and "Fall Winds" (which was renamed "Desert Sands") are both better-known for the versions he recorded with the Chico Hamilton Quintet than for these renditions, the original runthroughs are also excellent. Collette is the main voice throughout this set of lightly swinging music although he gets support from the fine rhythm sections (which include either Don Friedman, Dick Shreve or Calvin Jackson on piano). Overall this set serves as a good all-around showcase for Buddy Collette's playing and writing talents.
 

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 Reseña de Scott Yanow
A Nice Day es una buena grabación para el multireedista Buddy Collette, que toca el alto, el clarinete, la flauta y el tenor durante las tres sesiones que se escuchan en la reedición del CD. Cinco de las diez selecciones son originales de Collette y, aunque el corte del título y "Fall Winds" (que fue rebautizado como "Desert Sands") son más conocidos por las versiones que grabó con el Chico Hamilton Quintet que por estas interpretaciones, los pases originales también son excelentes. Collette es la voz principal a lo largo de este conjunto de música ligeramente oscilante, aunque recibe el apoyo de las excelentes secciones rítmicas (que incluyen a Don Friedman, Dick Shreve o Calvin Jackson al piano). En general, este conjunto sirve como un buen escaparate de los talentos de Buddy Collette para tocar y escribir.

Art Pepper • Mosaic Select 1956-1957

 

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

André Previn-Gerry Mulligan-Carmen McRae • Performing Music From The Subterraneans

 

Chet Baker Quartet • Featuring Russ Freeman

 

Review from AllMusic (by Lindsay Planer):
Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) is a perfect studio companion to the Mosaic Records set Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). As was the custom for jazz platters of the time, both Baker and Freeman are joined by a different combo on each date. The luminaries include Bobby Whitlock (bass), Joe Mondragon (bass), Bobby White (bass), Larry Bunker (drums) and Shelly Manne (drums) from sessions held circa July and October of 1953. The 25 selections here provide copious evidence of Baker's uncanny artistry as he develops a dark, yet lyrical, interpretive approach. Immediately evident is the thoughtful synergy between Baker and the comparatively understated Freeman, whose comps help link the respective solos. In several notable instances, such as the nonchalant "Isn't It Romantic" or the limber syncopation of "Maid in Mexico," Freeman establishes the melody, rather than simply being relegated to the rhythm section. Additional diverse examples can be heard ranging from a sublime reading of "Imagination" to the upbeat and agile "All the Things You Are" -- which commences in progress. These tunes would seed Baker's back catalog of material, becoming staples during his 30-plus-year repertoire. One facet to Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman that will be of considerable interest to collectors and hardcore enthusiasts are both the 10" EP and the 12" LP takes of "Long Ago and Far Away," "No Ties," "The Thrill Is Gone," "Moon Love" and the 78 rpm and long-player version(s) of "Winter Wonderland." While these renderings have been previously issued, this CD marks the first time that they are presented on a single volume. Among other stellar (if not definitive) inclusions are Freeman's "Russ Job," "Bea's Flat" and the sole Baker vocal on "I Fall in Love Too Easily."
https://www.allmusic.com/album/chet-baker-quartet-featuring-russ-freeman-mw0000197173

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Reseña de AllMusic (por Lindsay Planer):
Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman (1998) es un compañero de estudio perfecto para el set de Mosaic Records Complete Pacific Jazz Live Recordings of Chet Baker With Russ Freeman (1988). Como era costumbre en los discos de jazz de la época, tanto Baker como Freeman están acompañados por un combo diferente en cada fecha. Las figuras destacadas incluyen a Bobby Whitlock (bajo), Joe Mondragon (bajo), Bobby White (bajo), Larry Bunker (batería) y Shelly Manne (batería), de sesiones realizadas aproximadamente en julio y octubre de 1953. Las 25 selecciones aquí presentadas ofrecen abundantes pruebas del extraordinario arte de Baker mientras desarrolla un enfoque interpretativo oscuro pero lírico. Es inmediatamente evidente la sintonía reflexiva entre Baker y el comparativamente discreto Freeman, cuyos comps ayudan a enlazar los respectivos solos. En varios casos notables, como el despreocupado "Isn't It Romantic" o la sincopación ágil de "Maid in Mexico," Freeman establece la melodía, en lugar de ser relegado simplemente a la sección rítmica. Se pueden escuchar ejemplos adicionales y diversos que van desde una sublime lectura de "Imagination" hasta el animado y ágil "All the Things You Are" -- que comienza en progreso. Estos temas sembrarían el catálogo posterior de Baker, convirtiéndose en pilares de su repertorio durante más de 30 años. Un aspecto de Chet Baker Quartet Featuring Russ Freeman que será de considerable interés para coleccionistas y entusiastas acérrimos son tanto las tomas de EP de 10" como las de LP de 12" de "Long Ago and Far Away," "No Ties," "The Thrill Is Gone," "Moon Love" y las versiones de 78 rpm y de larga duración de "Winter Wonderland." Si bien estas interpretaciones han sido publicadas anteriormente, este CD marca la primera vez que se presentan en un solo volumen. Entre otras inclusiones estelares (si no definitivas) se encuentran "Russ Job" y "Bea's Flat" de Freeman, y la única interpretación vocal de Baker en "I Fall in Love Too Easily."
https://www.allmusic.com/album/chet-baker-quartet-featuring-russ-freeman-mw0000197173

The Bill Smith Quartet • Folk Jazz

Review by Stewart Mason

A record that could only have been made in the late '50s, 1959's Folk Jazz is a meeting of the two great collegiate crazes of the period, post-bebop modern jazz and traditional folk music. Clarinetist Bill Smith and a low-key piano-less trio ? Jim Hall on guitar, Monty Budwig on bass and the great Shelly Manne on drums ? take 10 songs from the folk tradition, strip them down to the bare essentials of melody and chord progressions and turn them into a Kind of Blue-like experiment in cool-toned modal jazz. Familiar standards like "Black Is the Color of My True Love's Hair" (which opens with an extended unaccompanied solo by Smith that's a marvel of economy) are presented in entirely new and fresh settings. Perhaps the best of the lot is an extended meditation on the spiritual "Go Down Moses" that turns the song from a gospel shout to an intimate whisper. The 2003 CD reissue adds two tracks, alternate takes of "Reuben, Reuben" and "Nobody Knows the Trouble I've Seen."

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Traducción Automática:
Revisión por Stewart Mason 

Un disco que solo se pudo haber hecho a finales de los años 50, el Folk Jazz de 1959 es una reunión de las dos grandes locuras universitarias de la época, el jazz moderno post-bebop y la música folclórica tradicional. ¿El clarinetista Bill Smith y un trío sin piano de bajo perfil? ¿Jim Hall en la guitarra, Monty Budwig en el bajo y el gran Shelly Manne en la batería? toma 10 canciones de la tradición folklórica, descárgalas a lo esencial de la melodía y las progresiones de acordes y conviértelos en un experimento parecido al tipo de azul en el modal jazz de tonos fríos. Estándares familiares como "El negro es el color de mi cabello de amor verdadero" (que se abre con un solo no acompañado de Smith, que es una maravilla de la economía) se presentan en entornos completamente nuevos y nuevos. Quizás lo mejor de todo es una meditación prolongada sobre el espiritual "Go Down Moses" que convierte la canción de un grito del evangelio en un susurro íntimo. La reedición del CD de 2003 agrega dos pistas, tomas alternativas de "Reuben, Reuben" y "Nadie sabe el problema que he visto".

Jack Montrose Sextet • Jack Montrose Sextet

 

Biography by Jason Ankeny
Tenor saxophonist and composer Jack Montrose was a premier exponent of the West Coast jazz movement. His terse phrasing and smooth tone remain the quintessence of California cool. Born December 30, 1928, in Detroit, Montrose spent the first several years of the Depression in Chicago until poverty forced his family to relocate to Chattanooga, TN. Upon teaching himself saxophone he joined a local dance band at the age of 14, and after several tours of the South he relocated to Southern California, where in 1947 he joined the John Kirby Sextet, beginning a long and fertile collaboration with Kirby's baritone saxophonist, Bob Gordon. Montrose continued working with Kirby while studying at Los Angeles State College, and after the bandleader's 1952 death he supported Shorty Rogers and Art Pepper. Upon graduating in 1953, Montrose earned notoriety as a session musician and arranger, contributing to dates headlined by Chet Baker, Clifford Brown, and Dave Pell. After returning from a six-month tour with Stan Kenton in mid-1954, Montrose reunited with Gordon for the Pacific Jazz LP Meet Mr. Gordon. In 1955, the saxophonists convened for an acclaimed Atlantic date, Arranged/Played/Composed by Jack Montrose, followed by a Pacific Jazz session headlined by the former. But by the time of both albums' commercial release, Gordon was dead, killed in a fatal auto accident on August 28, 1955, at the age of only 27.

Montrose resurfaced in 1957 with a pair of RCA releases, Blues and Vanilla and The Horn's Full. He also backed Mel Tormé on a series of LPs recorded with arranger Marty Paich, and briefly collaborated with trumpeter Jack Millman. But by the mid-'50s Montrose was losing a battle with heroin addiction, earning a nagging reputation for missing recording sessions and live gigs. By the time he conquered drug abuse for good in 1961, the West Coast vogue was over and he was relegated to playing local strip joints before relocating to Las Vegas, where he appeared in casino show bands for the better part of the decade. After years out of the limelight, Montrose finally returned to the studio in 1977 for drummer Frank Butler's Xanadu label comeback effort, Stepper. Only in 1986 did he earn his own comeback bid, collaborating with pianist Pete Jolly for the Slingshot release Better Late Than Never. After the Holt imprint issued Montrose's Let's Do It four years later, the saxophonist became a fixture of the West Coast jazz revival circuit, returning to Los Angeles to contribute to efforts including The American Jazz Institute's 2003 Clifford Brown Project, which employed many of the same arrangements Montrose wrote for Brown a half-century earlier. The reissue boom also made several of Montrose's vintage LPs available for a new generation of jazz aficionados, and he finally began to enjoy the recognition long due him when he died in Las Vegas on February 7, 2006.

https://www.allmusic.com/artist/jack-montrose-mn0000778697#biography

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Biografía por Jason Ankeny
El saxofonista tenor y compositor Jack Montrose fue un destacado exponente del movimiento de jazz de la Costa Oeste. Su fraseo conciso y su tono suave siguen siendo la quintaesencia del cool californiano. Nacido el 30 de diciembre de 1928 en Detroit, Montrose pasó los primeros años de la Depresión en Chicago hasta que la pobreza obligó a su familia a mudarse a Chattanooga, Tennessee. Al aprender saxofón por sí mismo, se unió a una banda de baile local a la edad de 14 años, y después de varias giras por el Sur, se mudó al sur de California, donde en 1947 se unió al Sexteto John Kirby, comenzando una larga y fértil colaboración con el saxofonista barítono de Kirby, Bob Gordon. Montrose continuó trabajando con Kirby mientras estudiaba en el Los Angeles State College, y después de la muerte del líder de la banda en 1952 apoyó a Shorty Rogers y Art Pepper. Al graduarse en 1953, Montrose ganó notoriedad como músico de sesión y arreglista, contribuyendo a las fechas encabezadas por Chet Baker, Clifford Brown y Dave Pell. Después de regresar de una gira de seis meses con Stan Kenton a mediados de 1954, Montrose se reunió con Gordon para el LP de Jazz del Pacífico Meet Mr.Gordon. En 1955, los saxofonistas se reunieron para una aclamada cita Atlántica, Arreglada / Tocada / Compuesta por Jack Montrose, seguida de una sesión de Jazz del Pacífico encabezada por el primero. Pero para el momento del lanzamiento comercial de ambos álbumes, Gordon estaba muerto, muerto en un fatal accidente automovilístico el 28 de agosto de 1955, a la edad de solo 27 años.

Montrose resurgió en 1957 con un par de lanzamientos de RCA, Blues and Vanilla y The Horn's Full. También respaldó a Mel Tormé en una serie de LP grabados con el arreglista Marty Paich, y colaboró brevemente con el trompetista Jack Millman. Pero a mediados de los 50, Montrose estaba perdiendo una batalla contra la adicción a la heroína, ganándose una reputación molesta por perderse sesiones de grabación y conciertos en vivo. Para cuando conquistó definitivamente el abuso de drogas en 1961, la moda de la Costa Oeste había terminado y fue relegado a tocar en locales de striptease antes de mudarse a Las Vegas, donde apareció en bandas de espectáculos de casino durante la mayor parte de la década. Después de años fuera del centro de atención, Montrose finalmente regresó al estudio en 1977 para el esfuerzo de regreso del sello Xanadu del baterista Frank Butler, Stepper. Recién en 1986 se ganó su propia oferta de regreso, colaborando con el pianista Pete Jolly para el lanzamiento de Slingshot Better Late Than Never. Después de que el sello Holt emitiera Let's Do It de Montrose cuatro años después, el saxofonista se convirtió en un elemento fijo del circuito de avivamiento del jazz de la Costa Oeste, regresando a Los Ángeles para contribuir a los esfuerzos, incluido el Proyecto Clifford Brown de 2003 del American Jazz Institute, que empleó muchos de los mismos arreglos que Montrose escribió para Brown medio siglo antes. El boom de la reedición también puso a disposición de una nueva generación de aficionados al jazz varios de los LP antiguos de Montrose, y finalmente comenzó a disfrutar del reconocimiento que tanto le merecía cuando murió en Las Vegas el 7 de febrero de 2006.

https://www.allmusic.com/artist/jack-montrose-mn0000778697#biography

Ornette Coleman • Tomorrow Is the Question!

 

 

www.ornettecoleman.com ...

Barney Kessel • Volare (Nel Blu, Dipinto Di Blu)

Biography

One of the finest guitarists to emerge after the death of Charlie Christian, Barney Kessel was a reliable bop soloist throughout his career. He played with a big band fronted by Chico Marx (1943), was fortunate enough to appear in the classic jazz short Jammin' the Blues (1944), and then worked with the big bands of Charlie Barnet (1944-1945) and Artie Shaw (1945); he also recorded with Shaw's Gramercy Five. Kessel became a busy studio musician in Los Angeles, but was always in demand for jazz records. He toured with the Oscar Peterson Trio for one year (1952-1953) and then, starting in 1953, led an impressive series of records for Contemporary that lasted until 1961 (including several with Ray Brown and Shelly Manne in a trio accurately called the Poll Winners). After touring Europe with George Wein's Newport All-Stars (1968), Kessel lived in London for a time (1969-1970). In 1973, he began touring and recording with the Great Guitars, a group also including Herb Ellis and Charlie Byrd. A serious stroke in 1992 put Barney Kessel permanently out of action, but many of his records (which include dates for Onyx, Black Lion, Sonet, and Concord, in addition to many of the Contemporaries) are available, along with several video collections put out by Vestapol. Kessel was diagnosed with inoperable cancer in 2001, which eventually took his life in May of 2004. He was 80 years old. ~ Scott Yanow

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Biografía

Uno de los mejores guitarristas que surgieron después de la muerte de Charlie Christian, Barney Kessel fue un solista de bop fiable durante toda su carrera. Tocó con una gran banda liderada por Chico Marx (1943), tuvo la suerte de aparecer en el corto clásico de jazz Jammin' the Blues (1944), y luego trabajó con las grandes bandas de Charlie Barnet (1944-1945) y Artie Shaw (1945); también grabó con Shaw's Gramercy Five. Kessel se convirtió en un músico de estudio muy ocupado en Los Ángeles, pero siempre tuvo demanda de discos de jazz. Realizó una gira con el Oscar Peterson Trio durante un año (1952-1953) y luego, a partir de 1953, dirigió una impresionante serie de discos para Contemporary que duró hasta 1961 (incluidos varios con Ray Brown y Shelly Manne en un trío llamado precisamente los Poll Winners). Después de recorrer Europa con el Newport All-Stars de George Wein (1968), Kessel vivió en Londres durante un tiempo (1969-1970). En 1973, comenzó a hacer giras y grabaciones con los Great Guitars, un grupo que también incluía a Herb Ellis y Charlie Byrd. Un grave derrame cerebral en 1992 dejó a Barney Kessel permanentemente fuera de combate, pero muchos de sus discos (que incluyen fechas de Onyx, Black Lion, Sonet y Concord, además de muchos de los Contemporáneos) están disponibles, junto con varias colecciones de vídeo publicadas por Vestapol. A Kessel se le diagnosticó un cáncer inoperable en 2001, que finalmente le quitó la vida en mayo de 2004. Tenía 80 años de edad. ~ Scott Yanow

 

Jimmy Giuffre • Four Brothers

 

Biography
by Steve Huey
Controversial, misunderstood, and underappreciated, Jimmy Giuffre was an unlikely candidate to break as much ground as he did in the art of free improvisation. A swing orchestra veteran, Giuffre made his name as part of the West Coast school of cool jazz, but his restless creative spirit drove him to push the boundaries of texture, dynamic shading, counterpoint, and improvisational freedom in surprisingly avant-garde ways, despite maintaining a cool, cerebral exterior.

Born in Dallas in 1921, Giuffre studied music at North Texas College and subsequently played tenor sax in an Army band; upon his discharge, he took jobs with orchestra leaders like Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, and Buddy Rich. In 1949, he joined up with Woody Herman, for whom he'd penned the classic composition "Four Brothers" two years earlier. He then moved to the West Coast, where he learned clarinet and baritone sax, and played with groups like Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars and Shorty Rogers' Giants. Giuffre began leading his own sessions in 1954, with groundbreaking albums like Four Brothers and Tangents in Jazz exploring bluesy folk-jazz and third stream fusions.

In 1956, he formed the first version of the Jimmy Giuffre 3, which featured guitarist Jim Hall and bassist Ralph Pena; in 1958, the bassist was replaced by trombonist Bob Brookmeyer, resulting in the highly unorthodox-sounding albums Trav'lin' Light, Four Brothers Sound, and Western Suite, as well as a classic version of Giuffre's hit "The Train and the River" in the Newport film Jazz on a Summer's Day.

In 1961, Giuffre formed a new trio featuring pianist Paul Bley and bassist Steve Swallow; it was with this group, on the albums Fusion, Thesis, and the 1962 landmark Free Fall, that Giuffre really began to explore the subtler, more spacious side of free improvisation (mostly on clarinet). Unfortunately, the trio's music was too advanced to gain much of a reception, and they disbanded in 1962. Giuffre became an educator, and recorded off and on during the '70s; he experimented with electric instruments in the '80s, reunited his 1961-1962 trio in 1992, and continued to record for several avant-garde-oriented labels, most frequently Soul Note. In his later years Giuffre suffered from Parkinson's disease and no longer performed or recorded; he died of pneumonia in Pittsfield, Massachusetts in 2008 at the age of 86.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-giuffre-mn0000360956/biography

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Biografía
por Steve Huey
Controvertido, incomprendido e infravalorado, Jimmy Giuffre era un candidato poco probable para abrir tanto camino como lo hizo en el arte de la improvisación libre. Veterano de las orquestas de swing, Giuffre se dio a conocer como parte de la escuela de cool jazz de la Costa Oeste, pero su inquieto espíritu creativo le llevó a traspasar los límites de la textura, los matices dinámicos, el contrapunto y la libertad improvisatoria de un modo sorprendentemente vanguardista, a pesar de mantener un exterior frío y cerebral.

Nacido en Dallas en 1921, Giuffre estudió música en el North Texas College y posteriormente tocó el saxo tenor en una banda del ejército; al licenciarse, trabajó con directores de orquesta como Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Buddy Rich. En 1949 se unió a Woody Herman, para quien dos años antes había compuesto el clásico "Four Brothers". Después se trasladó a la Costa Oeste, donde aprendió a tocar el clarinete y el saxo barítono y tocó con grupos como Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars y Shorty Rogers' Giants. Giuffre comenzó a dirigir sus propias sesiones en 1954, con álbumes innovadores como Four Brothers y Tangents in Jazz, en los que exploraba el folk-jazz bluesero y las fusiones de la tercera corriente.

En 1956, formó la primera versión del Jimmy Giuffre 3, que incluía al guitarrista Jim Hall y al bajista Ralph Pena; en 1958, el bajista fue sustituido por el trombonista Bob Brookmeyer, lo que dio como resultado los álbumes Trav'lin' Light, Four Brothers Sound y Western Suite, de sonido muy poco ortodoxo, así como una versión clásica del éxito de Giuffre "The Train and the River" en la película de Newport Jazz on a Summer's Day.

En 1961, Giuffre formó un nuevo trío con el pianista Paul Bley y el bajista Steve Swallow; fue con este grupo, en los álbumes Fusion, Thesis y el hito de 1962 Free Fall, cuando Giuffre empezó realmente a explorar el lado más sutil y espacioso de la improvisación libre (principalmente con el clarinete). Desgraciadamente, la música del trío era demasiado avanzada para ser bien recibida, y se disolvió en 1962. Giuffre se convirtió en educador y grabó de forma intermitente durante los años 70; experimentó con instrumentos eléctricos en los 80, reunió a su trío de 1961-1962 en 1992 y continuó grabando para varios sellos orientados a la vanguardia, el más frecuente Soul Note. En sus últimos años, Giuffre padeció la enfermedad de Parkinson y dejó de actuar y grabar; murió de neumonía en Pittsfield (Massachusetts) en 2008, a los 86 años.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-giuffre-mn0000360956/biography

Shelly Manne & His Men • The Proper Time